Hace unos años se divulgó la existencia de un manuscrito en el que figuran unas Cartageneras arregladas por Fco. Tárrega, localizadas en el fondo de guitarra de Pedro Antonio Alemany (1862-1952). Estas cartageneras tienen gran similitud con la obra La Cartagenera publicada en Argentina antes de 1919. Igualmente con la editada en Estados Unidos en 1924 dentro del método de guitarra de Pascual Roch. Por la importancia de este manuscrito y su relación con las murcianas de Arcas, serán comparadas y estudiadas en este trabajo, con la idea de esclarecer la autoría de las mismas y proponer una datación aproximada.

Juan Baños, Fanegas, fue un célebre cantaor flamenco de Cartagena, pero tras la Guerra Civil apenas aparecían noticias suyas. Este artículo ayuda a completar su confusa biografía gracias a la investigación propia y a la localización de la familia.

La armonía del flamenco está basada en progresiones y procesos cadenciales definidos, que a lo largo de toda su historia se han ido desarrollando, entremezclando con componentes musicales más relacionados con otros tipos de música. La aportación de Ramón Montoya ha sido muy significativa en la música flamenca, junto con la de los guitarristas que le sucedieron, hasta llegar a Paco de Lucía, la gran celebridad revolucionaria de la guitarra flamenca, el principal protagonista de este trabajo. Nuevas tensiones en los acordes, progresiones, patrones melódicos, todo ello unido a la nueva concepción de grupo flamenco.

La obra y la personalidad creativa de Enrique Morente se sitúan en la tensión entre clasicismo y renovación, tradición y modernidad. Su trayectoria parte de la corriente generacional del movimiento de la revalorización del cante para adentrarse en los senderos de la autoexpresión y la renovación del género flamenco. Su prolífica obra se manifiesta en varias direcciones; por un lado la restauración y divulgación del repertorio tradicional, y por otro lado una personalidad inquieta y creativa que renueva el cante flamenco en la adaptación de numerosos poetas y mediante diferentes estrategias y procesos de hibridación musical propios de las conductas artísticas contemporáneas.

Entre la producción camerística de Franz Schubert (1797-1828) se encuentran siete cuartetos de cuerda de primera juventud con frecuencia inacabados, cuatro más compuestos entre 1814 y 1816 y, finalmente, los últimos cuatro, motivo de este breve comentario.  Schubert tuvo como modelo de escritura cuarterística a Haydn, Mozart y los primeros de Beethoven. Al principio, sus cuartetos cumplían una función doméstica. Franz a la viola, sus hermanos Ignaz y Ferdinan al violín y su padre al violonchelo ejecutaban estas obras. De este modo, todos se convencieron de las aptitudes creativas del joven compositor.

Fray Pablo Nasarre publicó sus Fragmentos Músicos, repartidos en cuatro tratados. En que se hallan reglas muy generales y muy necesarias para Canto Llano, Canto de Órgano, Contrapunto y Composición en Madrid en 1700 y, como señala Álvaro Zaldívar en la introducción a la edición de 1988, se trata de «una de las más importantes obras de la tradición teórica española, tan notable en nombres insignes y valiosos tratados, constituyéndose en broche y cumbre del periodo barroco». Resumimos los aspectos más relevantes de su teoría musical.

Conocí a Pepe, como le llamamos los amigos, una tarde en la terraza del Ateneo Cultural Huertano Los Pájaros, en la pedanía de La Arboleja, Murcia. Hacía relativamente poco tiempo que se había gestado la Peña Flamenca Los Pájaros, que después pasó a llamarse Murcia Flamenca por avatares de una historia que ahora no viene a cuento. Por aquel entonces, año 2011 o 2012, yo era un incipiente investigador flamenco, y la presencia de Pepe Gelardo me llenaba al mismo tiempo de alegría, orgullo y respeto, al tener a alguien como él entre nosotros...

Hoy es el Día Internacional del Flamenco, instituido el 16 de noviembre por la Junta de Andalucía, que ha coincidido este año con el Día Internacional de la Filosofía de la UNESCO, celebrado el tercer jueves de noviembre. Esta coincidencia nos invita a reflexionar sobre la gira culminada este martes por “The Paco Lucía Proyect”, a quienes pudimos escuchar en el Teatro McCarter de Princeton, Nueva Jersey, en Estados Unidos. Hay muchas cosas que han merecido una reflexión filosófica en España, como la propia idea de España o los nacionalismos. Pero quizá se ha filosofado poco, o se ha filosofado mal, sobre el flamenco, siendo uno de los momentos más interesantes de nuestro país.

A Ludovico Einaudi alguien podría aplicarle el juicio que Stravinsky lanzó sobre la cabeza de Vivaldi en sus conversaciones con Robert Craft: simplemente, alguien capaz de componer la misma pieza una y otra vez. Así como el veneciano del siglo XVIII se ha convertido en tantas ciudades cosmopolitas, no sólo en Italia, en una especie de suvenir musical para turistas, nuestro contemporáneo turinés viaja a uno y otro lado del Atlántico para ofrecer su música, interpretada por él mismo al piano, ante un público ajeno a las salas de concierto y el repertorio clásico.

Ieri sera al Metropolitan Theatre di New York è andata in scena Madama Butterfly, per la regia di Anthony Minghella, acclamato regista di Hollywood e premio Oscar nel 1997 per il film The English Patient. Questo spettacolo ha rappresentato il penultimo titolo della tetralogia di opere pucciniane che il teatro newyorkese ha deciso di mettere in scena in questa stagione, in occasione dei 160 anni dalla nascita del compositore lucchese, e che sarà conclusa dall'attesissima nuova produzione di Tosca in programma per gennaio con la partecipazione della star internazionale Anna Netrebko.

La historia del Met de Nueva York no se entiende sin Franco Zeffirelli ni, por descontado, sin Puccini, que estrenó en persona la tercera versión de Madama Butterfly en el antiguo edificio de la ópera; también allí se estrenó La fanciulla del West (1910), encargada por el propio teatro, que haría su última función en 1961 con Turandot. En el nuevo teatro, abierto en 1966 con una producción de Zeffirelli, se estrenó en 1981 su versión de La Bohème, seguida por su Turandot en 1987, ambas repetidas hasta la actualidad. Comentamos aquí la interpretación del 17 de octubre de 2017.

La conexión de La Bohème con el principal teatro de Manhattan ha sido siempre muy intensa. Lo demuestra el hecho de que la ópera, representada por primera vez en El Met en 1900, haya estado presente desde entonces en 59 temporadas, entrando en los carteles de casi cada temporada (exceptuando sólo 9 ocasiones), batiendo el récord del título más representado a lo largo de su historia. En 1981 se estrenó la producción de Zeffirelli de esta ópera, que se ha repetido desde entonces durante 36 años. Comentamos la interpretación del 23 de octubre de 2017.

Any excuse is a good one for thinking about Claudio Monteverdi, especially if we have the opportunity to listen to his operas and, among them, L’incoronazione di Poppea. Yesterday we had that opportunity at Alice Tully Hall at Lincoln Center in New York. Although it was a semi-staged concert and the opera, written by Busenello for the famous Venetian theatres, could have suffered from the lack of scenery, John Eliot Gardiner’s artistic authority succeeded in presenting the work as the masterpiece it is.

El concierto de ayer fue memorable. El Carnegie Hall dedicó a los extranjeros de la historia norteamericana un homenaje meditado, pero también intenso y emotivo, que fue al mismo tiempo una celebración llena de patriotismo, apuntalada con los rasgos de una mitología épica. Se interpretó la Obertura hacia la Luz de Lolita Ritmanis, el nuevo Concierto para violín y orquesta de Steven Lebetkin, la famosa Fanfarria para el hombre común de Aaron Copland y la inclasificable Isla Ellis: el sueño de América de Peter Boyer, con la Orchestra Moderne NYC.