Primera edición y traducción al español del epílogo de las 114 canciones (1922) de Charles Ives (1874-1954), considerado a menudo el primer compositor estadounidense de talla internacional. En él hallamos algunas de sus ideas más novedosas sobre la música, en lo que podemos considerar la primera poética americana sobre la composición. Una de las claves de este texto, influido por el trascendentalismo de Emerson y Thoreau, es la idea de que todo “hombre normal” puede dedicarse a la música. Ives defiende que la música es mejor si se la practica como una parte de la vida, que si se la convierte en una profesión.

Primera traducción al español del artículo “El caso Ives” de Copland, publicado en 1934 bajo el título de “Ciento catorce canciones”, en referencia a la obra homónima de Ives. El texto se incluyó después en su libro Our New Music (1941), donde analiza el pasado, el presente y el futuro de la música estadounidense. El texto –que gozó de una nueva edición, con un añadido de 1967 que incluimos aquí–, ocupa el lugar central del libro, como punto de anclaje entre la vieja y la nueva música. El artículo no sólo resulta clave para comprender la obra de Ives y la historia de su recepción, en la que Copland jugó un papel fundamental, sino también la propia poética de Copland como compositor.

Primera edición en español de este breve ensayo publicado en 1906, que cambió la forma en que se había interpretado hasta entonces al genio de Salzburgo, no sólo entre los musicólogos, sino también entre los biógrafos, los músicos, los filósofos y los teólogos. Heuss recuperaba una antigua idea de Goethe, anticipada por Hoffmann y desarrollada por Kierkegaard en torno a la ópera Don Giovanni, desde el nuevo enfoque de la musicología, heredero de la idea de música absoluta. Esta edición forma parte de una investigación sobre la idea de lo demoníaco en Mozart que se publicará próximamente.

El baile flamenco está cada vez más en contacto con la danza contemporánea. Son muchos los artistas que experimentan en sus creaciones con herramientas de la danza contemporánea buscando su propio universo creativo, alejado de la ortodoxia flamenca. En este artículo se reflexiona sobre el concepto de contemporaneidad en el flamenco, sin olvidar que el flamenco es un arte impuro por naturaleza, nacido del mestizaje de culturas, característica que no ha abandonado y que también analizamos. Al mismo tiempo, aportaremos algunas reflexiones del coreógrafo Andrés Marín sobre tales aspectos a partir de una entrevista que nos concedió para la elaboración de este artículo.

En el presente ensayo se intenta describir de qué manera el flamenco va a musicalizar la poesía de tres poetas (San Juan de la Cruz, García Lorca y Rafael Alberti) enriqueciendo el significado de los poemas originales, sin perder ni la naturalidad, ni el sentido de cada uno de ellos. Por medio de un análisis formal y semántico se describe cómo el flamenco entabla un diálogo con la poesía para conseguir las musicalizaciones mejor logradas, aumentando la expresividad y el poder connotativo, sin que por ello los poemas pierdan su esencia. En el ensayo se trabaja con versos de obras dramáticas, poemas y fragmentos de poemas musicalizados, de tres discos fundamentales: Poeta de Vicente Amigo, Lorca de Enrique Morente y La leyenda del tiempo de Camarón.

El bajista y compositor Carles Benavent (1954-) posee una trayectoria artística multidisciplinar de reconocido alcance, especialmente por su aportación al flamenco junto a Paco de Lucía. Su obra también destaca por numerosos trabajos con grupos y artistas nacionales e internacionales en el ámbito del rock, el jazz y el flamenco, además de ser cofundador del trío referente del flamenco-jazz junto a Jorge Pardo y Tino Di Geraldo, así como por una dilatada carrera como solista, aún en activo, cumpliéndose ahora cuarenta años desde su debut. Sin embargo, pese a la evidente relevancia de su figura, apenas existen estudios académicos. Este artículo, por tanto, pretende conocer la figura del bajista a través de una aproximación etnomusicológica que retrate su trayectoria y su estilo.

Durante la investigación sobre el Teatro Real de Madrid entre los años 1876 al 1925 descubrí a Luís París, un personaje vital en la producción wagneriana de Madrid y del Teatro Real, que ocupó diferentes cargos dentro del regio coliseo. Entre ellos, desarrolló las funciones de empresario, director artístico y lo que hoy conocemos como director de escena, entre otras . Para saber más sobre Luís París entrevisté a Enid Negrete, la persona encargada de catalogar el Archivo Luís París en el Institut del Teatre en Barcelona. Ella nos cuenta con detalle quién era y cómo llegó su archivo del Teatro Real al Institut del Teatre en Barcelona. También nos habla de cómo es la ópera y su público. Y, por supuesto, nos cuenta cómo ha sido su formación y su trayectoria profesional a lo largo de su vida hasta llegar a catalogar el Archivo Luís París..