Acaban de publicarse los seis cuartetos para cuerda de José María Reynoso (ca. 1740-1802), un oscuro compositor que fue tenor de la catedral de Salamanca. Estos cuartetos han salido recientemente a la luz gracias a su adquisición en 2009 por la Biblioteca Nacional de España y vienen a engrosar el número de cuartetos para cuerda españoles del siglo XVIII, junto a los de Boccherini, Brunetti, Canales, Almeida, Ataide y Portugal o Teixidor.

Las partituras gráficas y los gráficos musicales constituyen una práctica artística llena de posibilidades sinestésicas. El presente artículo pretende analizar algunos de los factores que dieron lugar al desarrollo de la notación gráfica a partir de los años cincuenta del pasado siglo. Entre estos factores, se menciona: la proximidad entre la música experimental americana y las artes plásticas (expresionismo abstracto); una búsqueda de apertura, creatividad y libertad por parte de los compositores; la propia evolución del lenguaje musical, con la incorporación de nuevas corrientes, técnicas y materiales sonoros; la influencia del jazz o factores de orden filosófico y político. El artículo comenta también algunos ejemplos de partituras gráficas con las que se ilustran diferentes vertientes y categorías de este fenómeno.

La adquisición de los conocimientos, destrezas y habilidades relacionadas con la lectura y la escritura de la música implica un grado de dificultad considerable. Los enfoques tradicionales de la enseñanza musical se dirigen hacia el conocimiento de los símbolos de la notación musical occidental. Su finalidad es que el alumno pueda emplear, de modo preciso y eficaz, un sistema específico y extendido universalmente para descifrar partituras o anotar ideas musicales inventadas o escuchadas. Sin embargo, consideramos interesante y efectivo el empleo de grafías alternativas, como paso intermedio, antes de presentar el ritmo y la métrica mediante la notación convencional. La práctica de estos sistemas es muy apropiada para el aprendizaje de la música en la etapa infantil y primaria, se adapta al nivel y al desarrollo psicoevolutivo del niño y potencia su motivación e interés.

Uno de los objetivos de la vanguardia artística de principios del siglo XX fue la incorporación del movimiento a la obra artística. En las artes visuales, el grupo de los Futuristas fue el que recogió más vehementemente esta línea de experimentación, al considerar la velocidad como signo de los nuevos tiempos. Paralelamente, los experimentos con el movimiento en la fotografía serán constantes y desembocarán en el nacimiento del cine. En este ensayo se analiza la obra de dos artistas, Giacomo Balla y Anton G. Bragaglia, que desde los campos de la pintura y la fotografía hicieron de la experimentación con el movimiento la base de su trabajo.

Hanna Höch centra gran parte de su trabajo en la representación de la mujer y el análisis crítico de sus roles sociales; por este motivo, su obra se enmarca habitualmente en la línea del discurso feminista. Sin embargo su posicionamiento ante la mujer está cargado de ambigüedades, de manera que en ocasiones su crítica irá dirigida también a la mujer misma. En este artículo se analiza uno de los fotomontajes de la artista, La hermosa muchacha de 1919-1920, para abordar los múltiples matices que impregnan el pensamiento de esta artista

Este artículo realiza un análisis estético de los nocturnos de Chopin, en los cuales se reacciona contra un idioma musical romántico totalmente maduro y establecido, y se lanza a la conquista de un mundo sonoro muy diferente, absolutamente ajeno a los sentimientos cotidianos y “terrenales” expresados a través del teclado, en algo que se convierte en distante e inmaterial, pero a la vez  riguroso y casi despótico. Se analiza desde una perspectiva estética el binomio pictórico-literario que encontramos en la música pianística de Chopin y su evocación desde el teclado, sin olvidar la mención al género “nocturno” creado por John Field, precursor indiscutible para el genio polaco

En este artículo se pretende hacer una aproximación a los Conciertos de Brandenburgo, tanto en sus aspectos musicales como contextuales. Pero antes de profundizar en ellos, y para comprenderlos cabalmente, se realiza un repaso de una serie de conceptos (como concerto grosso, ritornello o fuga concertante) que nos ayudaran a disfrutar mejor esta serie de  seis conciertos compuestos por Bach y dedicados al margrave de Brandenburgo en el año 1721.

Quien tenga la paciencia para escuchar el número de veces suficiente la música que interpretó Glenn Gould en su piano, comprenderá de un plumazo los mismos sentimientos que traen todos los hombres anunciados. Mas solamente a algunos de ellos se les permitirá el habla. El pasado septiembre se cumplieron ochenta años desde su nacimiento y, un mes después, en octubre, treinta años desde su fallecimiento. Como otros grandes músicos, Gould murió muy joven, a los cincuenta años

[…Once upon a time in…] De esta histórica pero poco original manera empiezan las historias más hermosas, y esta, ya os lo digo yo, es una de las más bellas que jamás escuché. Pero vayamos por partes. Para poder empezar nuestra sentida historia hacia lo bello debemos situar la naturaleza conceptual de los contenidos, es decir, definir cada uno de los elementos que comprende nuestra pequeña fábula.

En los últimos días de octubre de 2012 se inició el montaje de un órgano de tres teclados y pedal, dotado de 44 registros, en la ciudad alicantina de Benidorm, en el templo de Sant Jaume y Santa Ana, una idea que surgió tras ocho años de restauraciones del templo, y que se consideró como la “guinda del pastel” de todo el proceso de restauración. Sin embargo, en esos mismos días de octubre, se empezó a levantar una polémica estéril que ha impedido su culminación.

La escuela de baile bolero y el baile flamenco corrieron un parejo desarrollo artístico a partir de los elementos del baile popular. Aunque en ambientes y escenarios diferentes, ambas disciplinas se influyeron mutuamente tomando como base los elementos folclóricos de los bailes populares españoles.

Pocas fuentes de cantes flamencos en partitura son útiles antes de los registros sonoros. Ésta lo es con algunas reservas aunque no aparezca cante alguno, ya que refleja la estructura musical de un cante flamenco de seguiriya con su cierre “de cambio” en la década de 1880, con células rítmicas, armónicas y melódicas semejantes al modelo flamenco.

Este trabajo está dividido en dos secciones. Una primera tratará sobre nuevas e importantes fuentes documentales no estudiadas por nosotros en anteriores investigaciones sobre el fandango. La otra parte servirá para mostrar el desarrollo evolutivo en la plantilla rítmica del fandango desde principios del XVIII hasta la actualidad, aspecto éste desconocido hasta ahora en el ámbito de la musicología. Seguimos su proceso tanto en las fuentes académicas como en las populares y flamencas

Desde 2004 estoy componiendo una serie de piezas instrumentales, basadas en el flamenco, con el nombre genérico de “Flamenco Opus”, en las que unas veces cojo literalmente un ritmo, una melodía, o simplemente un impulso del flamenco. En este caso, podíamos decir que esta corta pieza para Saxofón barítono (al que se le puede añadir algún procedimiento de la música electroacústica) se escribe con el espíritu del  flamenco, transitando por recursos modernos como tocar sin boquilla, emisión de la voz a través del tubo o sonidos múltiples. También se le añade percusión corporal, obteniendo como resultado una pieza actual y vibrante